梅絲嘉系列～中古音樂 10

結構（Structure）

古代藝術這個時期也是因專注於比例（attentive to proportion）、構造（texture）及建築物的影響（architectural effect）而開始正式結構概念的發展。這期間的作曲家以華麗的奧加農（Florid Organum）及狄斯堪奧加農（Discant Organum）交替使用，並創造了不少新樂曲形式（musical form）：

I 克勞蘇拉（Clausulae）

在黎奧寧（Leoninus）時代的作曲家將「狄斯堪風格」的段落，改稱為克勞蘇拉。經文只在持續聲部上出現，一個音節經常包括了許多的音；第二聲部上的華彩樂段，與持續聲部的音節相同。這些「奧加農風格」與「狄斯堪風格」的段落，是以兩個獨唱者來擔任。同聲合唱的聖歌樂段，經常插在兩個獨唱樂段之間。Clausulae 的聲部有些似乎是由樂器演奏的。

II 康達圖（Conductus）

Conductus 以單旋律的姿態，出現於十二世紀之中。依照 "Discantus positio vulgaris" 的作者，佛朗科（Franco），奧登頓（Odington）和當時其他樂理家的說法，康達圖是十三世紀複音音樂的主要曲式之一，跟平行複音（Organa），克勞蘇拉與經文歌（motet）並立。然而，康達圖不是以宗教聖歌為基礎，而是以自由創作的旋律為基礎，再以音對音（note-against-note）加上一部，兩部或者三部，這一種技巧跟平行複音，克勞蘇拉和經文歌中的節奏分化風格成明顯的對立。

III 素聖歌（Trope）

從傳統的聖歌中重新編上新旋律或新詞，用不同的方法和傳統的聖歌一起唱。有時在前，有時在後，或是將聖詩原來的句子換成朗誦公式的句子，或是將短的歌詞如 "Benedicamus Domino" 加入一些原來的字或它們的同義字於一個新的旋律和歌詞中。

Reference & Source：
1. 《大陸音樂辭典》，康謳著－全音樂譜出版社發行
2. 《西洋音樂風格的演變－上冊》，張己任著－臺灣商務印書館發行
3. http://en.wikipedia.org/wiki/Medieval_Music

梅絲嘉系列～中古音樂 9

節奏模式（Rhythmic Mode）

十一、十二世紀的作曲家根據不同的節奏組合而定的「節奏型態」（Rhythmic pattern）而發展出一套組織與標示節奏的體系。其來源出自於法文詩與拉丁文詩的韻腳格式。大約在西元 1250 年左右，這些節奏型態被分成六組「節奏模式」（Rhythmic Mode）：

1. Long-short（trochee / trochaic / choree / choreus / 揚抑格）
　長短節奏包含著一重一輕的兩音節。

　

2. Short-long（iamb / iambic / iambus / 抑揚格）
    短長節奏包含一輕一重的兩音節。

3. Long-short-short（dactyl / dactylic / Gr. δάκτυλος dáktulos, “finger” / 揚抑抑格）
　長短節奏包含一長兩短或一重兩輕的三音節。

　　

4. Short-short-long（anapest / anapestic / antidactylus / 抑抑揚格）

　短長節奏包含兩短一長或兩輕一重的三音節。

5. Long-long（spondee / spondaic / 揚揚格）
　長節奏包含兩長或兩重的音節。

6. Short-short（pyrrhic / tribrachic / 抑抑格）
　短節奏包含兩短或兩輕的音節。

這套體系似乎與 St. Augustus（聖奧古斯都）的 "De Musica"《論音樂》有關。該論文中所談論的全都是有關節奏的問題，是中古時代理論家們所熟悉的作品。模式（１）與（５）最先被採用，（２）與（３）較晚些，（６）實際上是（１）或（２）的變體，（４）的應用最少。

在音樂作品裏，這些模式反覆多次，次數多寡視分句（phrase）的長短而定，或照中世紀的專門用語，視奧多（Ordo）而定。Ordo 指示一個模式不斷地反覆的多寡次數。

這一套節奏模式，是以三拍為計算單位。這「三拍」，理論家稱之為「完美」（Perfectio）。這顯然反映出中古時代對數字 3 的神秘觀念，在神學上「聖父、聖子、聖靈」三位一體說，是被認為完美無缺的。因此數字 3 就成了完美的數字。一般來說，中古時代多聲部的節奏度量單位，是以現今的複拍子三分法來劃分，音樂的節奏劃分可以視之為具有現代 6/8 或 9/8 拍號的形態，這種情況一直維持至十四世紀。

表示節奏模式的方式，是以各種不同種類的符號及其符號的排列而來。符號的排列，除了紐碼（neumes）外，還有一種由複紐碼及紐碼群演變而來的「列加圖」（Ligature）。

這些節奏模式是奧加農（organum）、克勞蘇拉二部歌曲（clausula）、康達圖（conductus）及經文歌（motet）的節奏基礎，所以說這些樂曲是以定型記譜法（Modal notation）寫成的。通常模式（１）、（２）及（６）出現於上面的聲部，而（３）和（５）於下面的聲部，實際上，正常模式的某些變更可以被容許，諸如偶然省略一個弱拍－這情形稱為 extensio modi 或分一個音為二或三個音，稱為 fractio modi。

Reference & Source：
1. 《大陸音樂辭典》，康謳著－全音樂譜出版社發行2. 《西洋音樂風格的演變－上冊》，張己任著－臺灣商務印書館發行
3. http://en.wikipedia.org/wiki/Medieval_Music
4. http://en.wikipedia.org/wiki/Rhythmic_mode

梅絲嘉系列～中古音樂 8

中古音樂－中期（1150-1300）


古代藝術（Ars antiqua）

古代藝術 "Ars antiqua"（也可稱 ars veterum 或 ars vetus）一詞，原由十四世紀早期的作家所用（猶如 1325 年的「音樂之鏡〔Speculum musicae〕」）。十四世紀早期的樂派自稱為「新藝術（ars nova / ars modernorum）」。現在則把這兩個詞的範圍略加擴充，「古代藝術」指十三世紀的音樂，「新藝術」指十四世紀的音樂。

幾乎古代藝術的所有作曲家是匿名的。諾特丹樂派的兩位作曲家 Léonin（雷奧尼努斯，十二世紀後半葉）及 Pérotin（佩羅悌努斯，1160-1220）均是名義上已知的作曲家。繼起的這段時期由於沒有其他名稱可用，便暫且分為 Franco 時期（十三世紀中葉）與 Petrus de Cruce 時期（十三世紀後葉）。諾特丹樂派的先驅為 St. Martial（聖馬休爾，1100-1150）樂派。

Léonin 被英國的Anonymous IV 稱為 "Optimus organista" 意即「最偉大的平行複音作曲家」，他首創 "Magnus liber Organi" 最終成為 Ecclesiastical Year 的完整連篇二部平行複音曲（Organa dupla）。

Pérotin 則被稱為 "Optimus discantor" 意即「最偉大的古代反行複音作曲家」，他把平行複音更加擴充，而寫出三部／四部平行複音（Organum triplum / Organum quadruplum）。

十三世紀的作曲技巧可以說是「相繼對位法 "Successive counterpoint"」。在音樂理論上，Ars antiqua 期間出現了數種超越比以前更高階的實踐，主要是節奏上的構想或記法。十三世紀的前半葉，最著名的音樂理論家，Johannes de Garlandia（約翰尼斯迪嘉蘭迪亞），是 De mensurabili musica（約 1260）的作者，其論文對節奏性方式（rhythmic modes）作出了定義和最完全地闡釋。Franco of Cologne（科隆的佛朗哥），是德國音樂理論家中首位用有系統的記譜法，描述以不同形狀音符表達不同節奏時值（Ars Cantus Mensurabilis, 1260 ），在歐洲音樂隨後的歷史中，有著巨型衝擊的創新。

古代藝術最重要的貢獻是在節奏方面。聖馬休爾學派的平行複音音樂中，主聲部（tenor）的單音裝飾句（melishma）是自由的，無節拍的；1180 年左右，則以節奏調式（modes）為基礎，而成立嚴格的節奏。

Reference & Source：
1. 大陸音樂辭典，康謳著－全音樂譜出版社發行
2. http://en.wikipedia.org/wiki/Medieval_Music
3. http://en.wikipedia.org/wiki/Ars_antiqua

梅絲嘉系列～中古音樂 7

調式音階（Church modes）

中世紀教堂調式音階的發展，是經過長期的演變之後才確定的。一般人對中世紀歐洲音樂教會調式存有普遍的誤解，以為教會調式是從希臘調式記譜法變化而成。實際上，這教會週式創自九世紀，發展至十一世紀，這套理論體系，包括了八個教堂調式音階。調式音階之間的不同，來自於自然音階全音與半音位置在一個八度之內安排上的差異。這些音階，各自建立在不同的「終止音」（Finalis）上。這個「終止音」是旋律的最後一音。

這八個教堂調式音階，原以號數來命名，奇數的音階稱為「正規」（Authentic）；偶數的音階稱為「變格」（plagal，意為「出自」）。

如果以鋼琴上的白鍵來看，則「正規」調式：
I 起於 D 音（多里安調式 Dorian mode）、
III 起於 E 音（佛萊琴調式 Phrygian mode）、
V 起於 F 音（利底安調式 Lydian mode）、
VII 起於 G 音（混合利底安調式 Mixolydian mode）；

而「變格」調式，分別起於相關調式的下四度，即：
II 起於 A 音（下多里安調式 Hypodorian mode）、
IV 起於 B 音（下佛萊琴調式 Hypophrygian mode）、
VI 起於 C 音（下利底安調式 Hypolydian mode）、
VIII 起於 D 音（下混合利底安調式 Hypomixolydian mode）。
音階中，另外有一個音稱為「伴同終止音」（Confinalis）。

在十世紀時，理論家將希臘調式的名稱運用到教堂調式上。由於當時對希臘調式意義上的誤解，中世紀的理論家們，將希臘調式的名稱誤置，因此成了名稱相同，而內容不同的現象。經過發展下，現今的音樂術語體系下，以羅馬數字（I-VIII）取代了希臘調式體系的命名。

The eight musical modes. Findicates "final" (Curtis, 1998)

決定調式的兩個因素：
（１）「終止音」，即是樂曲停止在何音之上；
（２）「音域」（Ambitus），全曲的音運動範圍是在那一個八度之內。
有時候，調式音階也包括音階之下的一個音，這個音稱為「附帶音」（Subtonium）。

禮儀劇（Liturgical drama）

禮儀劇是來自中古時代早期的歐洲音樂傳統。以拉丁文為歌詞的文字，配以動作，演出的聖經故事內容包括福音、受難及聖徒生活，音樂方面多半是採用單音音樂。在十二至十三世紀期間，由於這種劇從未成為正式禮儀的一部份，因此最好稱之為宗教劇。

從十四世紀至十六世紀，禮儀劇演變為奇蹟劇，由俗人出任經理，並以地方性言語演出。其內容仍以聖經為基礎。戲台佈景宏大，演出長至二十日，或更長時間。配樂只偶而使用於巡行，虛張聲勢，和舞蹈等劇情中，有使用素歌，民歌等。歐洲的戲劇亦可說是由此演變而成。

葛利亞德斯（Goliards）

葛利亞德斯是一位於十世紀中至十三世歐洲紀巡迴詩人音樂家。他就像大多數的學者或是傳教士般，自己寫及唱一些拉丁文作品，他的作品以勸告學生及年青神職人員為主，在那個時代的文化生活上，佔有很重要的地位。雖然很多當時的詩能保存至今，但含音樂成份的卻很少。他最有名的詩集名為《卡米那布朗那》（Carmina Burana－命名自德國西南方的本篤修院），對後來的法國的吟遊詩人（trouvère）具一定的影響力。他們的詩主要是較為世俗性的，少數是用於宗教慶典上，其他的主要為坦率的粗俗語、酗酒的行為、放蕩及淫蕩。

Reference:
1. 西洋音樂風格的演變（上冊），張己任著～臺灣商務印書館
2. 大陸音樂辭典，康謳主編～全音樂譜出版社
3. http://en.wikipedia.org/wiki/Church_mode#Church_modes

4. http://en.wikipedia.org/wiki/Medieval_music#Liturgical_drama
5. http://en.wikipedia.org/wiki/Medieval_music#Goliards

梅絲嘉系列～中古音樂 6

早期複音（多聲部）音樂：奧加農

奧加農的產生

西元第十一世紀，是西方音樂史上一個決定性的世紀。在這個世紀內音樂的演變結果，使得西方音樂產生了許多與其他文明古國音樂不同的特質，也使得西方音樂在日後的發展中，一枝獨秀地結出纍纍碩果。主要的演變，可以分成兩個方向：

1. 多聲部（Polyphony）音樂
2. 記譜法的改善

對多聲部音樂的文字討論，最早出現在第九世紀的兩本論文上：
1. Musica enchiriadis「音樂手冊」（c. 895）
2. Scolica enchiriadis「音樂手冊探究」

在第九個世紀末，在修道院裡的歌手例如瑞士的 St. Gall 開始試驗在聖歌中增加另一聲部，在聖歌的旋律之下四度或五度（參見音程）加上另一條聲音與平行同向的旋律，這種新的作曲方法被稱為「奧加農」（organum），亦代表著和聲及對位法的開始。在隨後的幾個世紀奧加農發展了幾種不同的形態。聖歌的旋律，稱之為「主聲部」（vox principalis），在聖歌下五度或下四度的平行旋律稱之為「奧加農聲部」（vox organalis）。「主聲部」與「奧加農聲部」同時唱出的結果，就造成了兩聲部的平行奧加農（Parallel Organum），亦稱為「單奧加農」（Simple Parallel Organum），在早期的論文音樂術語以 sinfonia 稱之。

「主聲部」與「奧加農聲部」可以各在其上方或下方的八度上重覆，因此造成了四聲部的平行奧加農，也稱之為「複奧加農」（Compound Parallel Organum）。

在「主聲部」下面四度平行的奧加農，有時會造成三全音（Triad Tone）或增四度（Augmented Fourth）的音程，如下圖 a：

這個音程在當時已被視之為「音樂中的魔鬼」，而應避免運用。為避免這種音程，另一種較自由的奧加農於焉產生。在這種奧加農裡，兩個聲部開始於同音，「主聲部」往上移動，「奧加農聲部」則留在原音上，直到兩聲部形成四度之後，「奧加農聲部」才隨之以平行移動，至結尾又以同聲結束，如上圖 b 或下圖。這種奧加農稱之為「自由奧加農」（Free Organum）。

奧加農最重要的樂曲集，是稱之為「溫徹斯特聖歌集」（Winchester Troper）的兩本手抄本。奧加農的發展指向「奧加農聲部」的獨立。發展的步驟，大約可歸納於下面的六個階段：

1. 協和音程（同度、四度、五度及八度等）混合雜陳，而不單以平行的姿態出現；
2. 當時被認為不諧和的音程－特別是大三度與小六度－在運用的數量上增加；
3. 「反行」的現象增加；
4. 聲部交錯的現象增加；
5. 奧加農聲部在主聲部的上方出現，這一點在後來多聲部音樂發展中的地位非常重要；
6. 開始在主聲部某些特定的音上，加上華彩。


華麗的奧加農、華彩的奧加農、聖馬歇爾的奧加農

十二世紀初期，一種新的奧加農，在西班牙康波斯特拉的聖地雅哥修道院（Santiago de Compostela），及法國中南部林摩基省（Limoges）的聖馬歇爾寺院（Abbey of St. Martial at Limoges）中出現。這種奧加農有三種稱呼法：

1. 華麗的奧加農（Florid Organum）
2. 華彩的奧加農（Melismatic Organum）
3. 聖馬歇爾的奧加農（St. Martial Organum）

Florid (Melismatic or St. Martial) Organum 是聖馬歇爾學派在約 1100 年中的一部重大是作品。特色是「奧加農聲部」是在「主聲部」的上面出現，並且是「一列」華彩樂句對「一個」聖歌旋律中的音。這一個聖歌中的音，也因為遷就奧加農聲部的華彩而延長。

School of St. Martial, Benedicamus Domino

因為聖歌在這種奧加農中延長的現象，聖歌或主聲部因此而被改稱為「持續聲部」（Tenor, 拉丁文為 tenere，字義是「持續」）；同時，「奧加農聲部」也改稱為「第二聲部」（Duplum）。

諾特丹樂派

到了十二世紀末，奧加農發展至英國及法國等地，但卻由巴黎諾特丹大教堂（Cathedral of Notre Dame）的作曲家們將之發揚光大。諾特丹學派作曲家們的成就，使得奧加農不僅成為一種作曲方式，也成為一種樂曲形式。其中具代表性的人物有兩位：Léonin 及 Pérotin。

許多音樂於中世紀的早期都是匿名的。部份的曲調會以詩人或作詞者，並且以他們寫的詞命名的。中世紀期間的單音（單聲部）音樂的所屬總是不是可靠的。有幸在此時期能生存下來的原稿或文獻包括有：音樂手冊，康波斯特拉聖地雅哥修道院 的 Codex Calixtinus 及溫徹斯特聖歌集。

有關中古時斯較為代表性的作曲家或詩人，包括有：

Pope Gregory I
St. Godric
Hildegard of Bingen
Hucbald
Notker Balbulus
Odo of Arezzo
Odo of Cluny
Tutilo

Reference & Source：
1. 西洋音樂風格的演變（上冊），張己任著－臺灣商務印書館發行
2. History of Music, Roy Bennett~Cambridge University Press
3. http://en.wikipedia.org/wiki/Organum
4. http://en.wikipedia.org/wiki/Medieval_music#Early_polyphony:_organum

梅絲嘉系列～中古音樂 5

葛理格聖歌／格雷果聖歌（Gregorian chant）～續

Antiphonary with Gregorian chants

現存的葛理格聖歌包含將近 3000 首曲調，
若以詞句的來源區分，
可以分成「經文的」（Biblical）與「非經文的」（Non-biblical）；
依詞句的性質，
又可分成「散文式」（Prose）與「詩歌式」（Poetical）。

散文式而引自經文的詞句，這類型多半是自新約聖經中的福音書或使徒書信之中；
詩歌式而引自經文的文字，則是來自舊約聖經中的詩篇或雅歌。
非經文的詞句，是由後人所創作。
散文式而非經文的詞句，最出名的有「感恩曲」（Te Deum）、
「對唱曲」（antiphon）及 3 首「頌讚聖母對唱」等；
詩歌式而非經文的詞句，
則包括所有的「讚詩」（hymn）及「續抒調」（Sequence）等。

葛理格聖歌的音樂不是獨立存在的，它必須依附於宗教的崇拜儀式之上，而在儀式之中擔負任務，它是一種功能性質的音樂（Functional music）。羅馬天主教會（Roman Catholic Church）最主要的崇拜儀式有兩組：日課（Office）及彌撒（Mass）。

「日課」或稱「每日禮讚」，是修道院每天必須的禱告靈修課目，共有八課，分別在不同的時間中舉行。每天的儀式程序也都相同，分別是：
「黎明禱」（Matins）－破曉時份；
「清晨禱」（Lauds）－日出之時；
「早課」（Prime）－約上午六點鐘；
「午前課」（Terce）－約上午九點鐘；
「午課」（Sext）－約在正午；
「午後課」（None）－約在下午三點鐘；
「晚禱」（Vespers）－日落之時；
「夜禱」（Compline）－通常在晚禱之後立刻舉行。
「日課」所用的聖歌，記載在一本稱之為「唱經本」（Antiphonale 或 Antiphonar）的儀式書中。所運用的葛理格聖歌，包括：
「詩篇」（Psalm）、
「聖母讚主曲」（Magnificat）、
「對唱曲」（Antiphon）、
「答唱曲」（Responsories）、
「讚詩」（Hymn）。

「彌撒」產生的時間雖遠比日課來得晚，但後來卻成為天主教會最主要的崇拜儀式。
彌撒的中心意義，是紀念耶穌最後晚餐（Last Supper）中所奠定的聖餐儀式，強調在酒與餅變為耶穌的血與肉的主題上。彌撒這個名詞的來源，出自儀式完成之後的遣散詞句，主祭或執事宣佈「彌撒禮成！」（"Ite, missa est"），群眾則齊應：「感謝天主！」，於是彌撒告終。
彌撒本來在午前課之後舉行，但在週日中，也可在午課之後或週末於午後課之後舉行。

彌撒儀式的結構極其複雜，大小總共包括了 20 項條目。
11 項是唱的，9 項是朗誦或讀講的。
在唱的 11 項中，又有 5 項的經文，是隨著教會節日而變更的，這部份稱之為「因節日而特定的彌撒部份」（Proprium missae, Proper of the Mass），經文包括：「進堂經」（Introitus or introit）、「奉獻經」（Offertorium or Offertory）、「領主經」（Communion）。
另外的 6 項是不變的，這稱之為「彌撒中的固定部份」或「常用部份」（Ordinarium missae, Ordinary of the Mass），包括「垂憐經」（Kyrie）、「光榮經」（Gloria）、「信經」（Credo）、「聖哉經」（Sanctus）、「榮福經」（Benedictus）及「羔羊經」（Agnus Dei）。
彌撒的經文，可以由「日用聖歌集」（Liber Usualis）中找到，
這是一本研究葛理格聖歌必需的經典。

教會初期舉行的彌撒，都是有歌唱伴從的，這種形式的彌撒稱為「大彌撒」（High Mass）或「歌唱彌撒」（Sung Mass），並且用的是希臘文。如果主祭有五六品的輔佐，則稱之為「莊嚴彌撒」（Solemn Mass）。到了第四世紀中葉，拉丁文取代了希臘文之後，才有所謂的「小彌撒」（Low Mass）出現，也稱之為「朗讀彌撒」（Reading Mass）。

一個重要的觀念：音樂上，我們習慣稱呼的「彌撒曲」，並不是指彌撒完整的儀式而言，也不是指彌撒中的 11 個詠唱部份，而是指帶有音樂的「彌撒的固定部份」，即是祇包括了：Kyrie、Gloria、Credo、Sanctus、Benedictus 及 Agnus Dei 六個部份。還有一個特殊的彌撒，是天主教專門為追悼亡者的彌撒（Missa pro defunctis），稱之為「安魂彌撒」（Requiem Mass），主祭舉行追悼彌撒時，普通是身著黑色祭服，因此也稱之為「黑彌撒」。

至於中古時代葛理格聖歌確實的演唱方式，由於文獻的缺乏，無法詳知。祇大約略知鼻音可能較現在的唱法為重；在較嚴肅的儀式上，速度比較慢；在晨課中，「聲音」要比晚課中的高些。縱使當時已有風琴的存在，但樂器在崇拜中佔多大的份量卻無法知曉，據推測，十三世紀前，風琴在彌撒中似乎並不常用到。

Reference:
1. http://en.wikipedia.org/wiki/Medieval_music#Early_chant_traditions
2. http://en.wikipedia.org/wiki/Gregorian_chant
3. 「西洋音樂風格的演變」上冊，張己任著，臺灣商務印書館
4. 「大陸音樂辭典」，康謳主編，全音樂譜出版社

梅絲嘉系列～中古音樂 4

葛理格聖歌／格雷果聖歌（Gregorian chant）

羅馬天主教會的祈禱讚美詩，另一種形式的素歌。自西元六世紀末葉，教皇葛理格一世（Gregory the Great，c. 590–604），將羅馬教會的素歌加以編纂、歸類。這位教皇被認為曾全力推展這種聖歌的。大約在公元 750 - 850 年，這種聖歌完成了他最後的形式並且持續了近一千多年的時間，故以教皇的名字命名這聖歌。

葛理格一世的編纂與歸類，事實上，是對當時儀式與儀式音樂的改革，葛理格更因此奠定了宗教年曆的崇拜儀式，並規定那一項儀式應該用一首素歌來配合。不僅如此，他還明確地制定，該如何演唱那些素歌。因為這些因由，故此葛理格聖歌這個名詞有著強烈的排他性。

歷史保存著的最早期音樂記譜法由第九世紀（ninth century）開始，雖然音樂一貫地橫跨廣域且可包含某種形式的素歌記譜法，但現在，甚至在較早以先已遺失了。值得注意的，是音樂記譜法存在於遠古時代的地方，如希臘，但這種能同時閱讀並記下的方法早在第五世紀（fifth century）左右已遺失了。

某程度上，葛理格聖歌的音樂代表著從遠古世界的學者辯論中存留下來的作品，但肯定的是已影響一些從猶太教堂（synagogue）的傳留下的音樂。遠古音樂只有很小的音樂碎片能存留下來（例如：Seikilos epitaph），但那些都只展示與近年西方音樂（Western music）相似而又不令人感到奇怪的形式、形狀和子句構想。

Seikilos epitaph

在中古時期的混亂歲月過程中，聖歌得以生存並昌盛於修道院（monasteries）及宗教中心內，是因為那裡有著安定的地方及人們有著讀寫的能力。早期西方古典音樂（western classical music）發展中，不多不少跟聖歌有著關聯，或直接來自與它最早期的闡述及規程。

Reference:
1. http://en.wikipedia.org/wiki/Medieval_music#Early_chant_traditions
2. 「西洋音樂風格的演變」上冊，張己任著，臺灣商務印書館
3. 「大陸音樂辭典」，康謳主編，全音樂譜出版社